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Luis Zamora Caroca, observar la manifestación de l...

Luis Zamora Caroca, observar la manifestación de la danza y el cuerpo

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Luis Zamora Caroca gracias a la experiencia obtenida en estudios de fotografía y danza, ha podido captar la esencia de cada bailarín que retrata. La composición, encuadre, luz y discurso hacen de su trabajo una obra con su sello personal. Una propuesta creativa junto a una técnica muy bien manejada, logra plasmar el movimiento de cada figura, características innatas que hacen que en su trabajo se plasmen sus pensamientos, el amor y el respeto hacia ambas disciplinas.

El cuerpo dice lo que las palabras no pueden decir.

Martha Graham

“La fotografía es todo para mí, llegando al punto de renunciar a mi vida como la tenía armada y programada por vivir mi proyecto. Mi principal objetivo como fotógrafo es generar identidad con mi trabajo y a su vez ser vitrina para bailarines y diversos artistas a través de mi trabajo”.

¿Por qué llegaste a ser fotógrafo especialista en danza? ¿Qué desafíos plantea esta especialidad?

Comencé con la fotografía en paralelo mientras tomaba clases de baile y esto dio pie a conocer cada vez más el mundo de la danza y acercarme al rigor que requiere, más aún en nuestro país. Quise mostrar lo que estaba pasando, y que mis fotos pudieran reflejar tanto la belleza como la crudeza real que se vive día a día, sin mencionar que las opciones son ilimitadas en términos de forma y figuras con cada bailarín.

En relación a la danza, creo que los principales desafíos corresponden al estar siempre atento, más cuando estás capturando una función o al bailarín en acción. Por otra parte, es necesario tener nociones de la danza en sus diferentes corrientes, sus técnicas, referentes, etc. Esto porque a pesar de que técnicamente la imagen puede ser correcta o perfecta en relación a encuadre e iluminación, es necesario estar pendiente de los detalles técnicos del bailarín, los pies, brazos, técnica, etc. Porque por uno de estos detalles que se pase por alto, puede perjudicar al bailarín y echar por tierra todo objetivo de lucir su disciplina.

“Lo que más toma peso en mis fotografías es que transmitan algo, que hablen solas, que me sorprendan, es algo que disfruto mucho, que me genere ese entusiasmo de verla y decir “esta es”.

¿Planificas, esbozas, improvisas? 

Casi en el 80% de mis fotos se basa en improvisar, en algunos casos particulares hay elementos o ideas preconcebidas, pero en general todo se trata de fluir, jugar con los elementos y lugares que nos rodean.

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¿Cuáles son las mayores satisfacciones que te ha entregado la fotografía? 

Mis mayores satisfacciones están relacionadas con las experiencias vividas, los viajes y la gente. Mi mente ha ido ampliando su espectro gracias a esto, me he nutrido mucho y eso da pie a seguir creando. Por otra parte y lo más importante, es sentir que mi trabajo ha sido aporte para los artistas con los que he trabajado, ha sido un hermoso viaje de aprendizaje mutuo. 

¿Actualmente estás trabajando en algún proyecto o tienes en mente alguno a futuro?

Sí. Estoy trabajando en mi proyecto constante de intervenir espacios “típicos” de la ciudad con distintos bailarines y por otro lado estoy en algunos proyectos de ideas mas elaboradas que mezclan diferentes elementos de la danza y la naturaleza. En términos concretos, una exposición dedicada solo a fotografía de bailarines, el lanzamiento de mi página web y el constante trabajo en un proyecto llamado Sesiones Mae, que involucra la danza, la música, la fotografía, las artes visuales, etc.

“Si amas y sientes la fotografía, lucha sin respiro en esta batalla. Absolutamente todo es posible cuando se trabaja duro. En estos días hay mucha información y todo está a la vuelta de la esquina, por lo tanto, hay que estudiar mucho y definir un estilo, una identidad. Supérese día a día, sea humilde y trabaje desde la emoción”.

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Más información del autor:

https://www.flickr.com/photos/_zeo
https://www.facebook.com/luis.zamora?fref=ts
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El Museo de Arte Contemporáneo inaugura la exposición Zonas en Disputa del artista nacional Sebastián Calfuqueo, curada por Mariairis Flores, en su sede de Quinta Normal. La muestra, que reúne performance, video, escultura e instalación, aborda la identidad mapuche, sus modificaciones, luego de la conquista española y los prejuicios que imperan tanto dentro como fuera de la comunidad indígena. Los diversos enfoques invitan a pensar lo complejo de la definición de raza y pertenencia a una cosmovisión mapuche, además de proponer una reflexión en torno a las identidades y cómo se construyen.

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El montaje se compone de obras que representan tanto a un imaginario oficial como a uno subjetivo en torno a lo mapuche. You will never be a weye es un videoperformance proyectado a gran escala, que expone, desde la experiencia personal del artista, la poca conocida existencia de los machis weyes, curanderos mapuche que mantenían relaciones homosexuales y cumplían labores “femeninas”. En tanto, Vivienda predeterminada aborda el proyecto de vivienda social propuesto el 2011 por Undurraga Devés Arquitectos en conjunto con el Ministerio de Vivienda y Urbanismo, Minvu, que buscaba beneficiar a 25 familias mapuche dispuestas a insertarse en la sociedad “moderna”, pero sin perder sus “tradiciones”. En la misma línea, Gato por liebre es una instalación con objetos réplicas de la famosa escultura del Cerro Santa Lucía, Caupolicán, de Nicanor Plaza, la que ha sido bautizada como el toqui, pero originalmente había sido pensada como una representación de El último de los Mohicanos.

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Además, las vivencias personales son claves en esta muestra. En Domo (mujer en mapudungun) un registro audiovisual incorpora el relato y testimonio de varias mujeres mapuche sobre su propia identidad. Luego, en Archivo en construcción se recopila información variada que circula en torno a lo mapuche, esta pieza puede ser ampliada por los asistentes mediante la incorporación de material. De esta forma los espectadores pueden dialogar con los conceptos y planteamientos entregados por la curadora y el artista.

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Luciano Paiva es un joven fotógrafo chileno que ha centrado su trabajo en temáticas de desigualdad social e identidad. Sus estudios formales como psicólogo, lo han influenciado y motivado a construir su trabajo visual en base a las reflexiones en torno al ser humano como ente social, trabajando temas como la pobreza y la desigualdad social. Ha realizado diversos talleres en su ciudad natal Antofagasta. keep reading

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La revista editorial de cine y fotografía Galaxia Up, junto a la aplicación de taxis Easy, invitan a fotógrafos profesionales y aficionados, chilenos o residentes en el país mayores de 18 años, a participar de la exposición y concurso fotográfico “La Ciudad en Movimiento”, que busca inspirar y exponer nuevas visiones en torno a la imagen. 

La convocatoria estará abierta desde el 26 de septiembre hasta el 16 de octubre y  las fotografías seleccionadas por el jurado serán exhibidas en los taxis Easy que recorren Santiago. El jurado compuesto por el equipo de Galaxia Up  e  Easy entregará tres premios a los participantes destacados, además  de un “Premio del público” por votación popular, a través de las redes sociales de Galaxia Up. Los ganadores y seleccionados serán anunciados en el sitio Galaxiaup.com el miércoles 2 de noviembre de  2016.

¿Cómo te mueves por la ciudad? Imágenes en torno al movimiento de la urbe, a través de la experiencias del transporte físico u orgánico.

Los postulantes deben enviar la fotografía a concurso@galaxiaup.com adjuntando ficha de inscripción.

Bases Generales: http://galaxiaup.com/convocatoriagalaxiaupeasy

“Ciudad en Movimiento”
Convocatoria abierta del 26 de septiembre al 16 de octubre.

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Denisse Tala es arquitecto de profesión y fotógrafa. Dedica su vida a la danza, a la práctica de yoga y a recorrer el mundo. Estas experiencias en su vida, han sido el motor de su carrera y la han llenado de intuición y sapiencia, profundizando en temas relacionados con lo femenino, el cuerpo, lo oculto y la profundidad del ser humano.

Su inquietud por el conocimiento de la técnica corporal, la ha llevado a indagar sobre las emociones, captando con su mirada fotográfica, formas de trascender a través del cuerpo.

Desnudo, lenguaje corporal, lenguaje del alma; Denisse Tala sorprende con su registro honesto, simple y, a la vez, de intensidad única y precisión sobrecogedora.

Galaxia Up conversó con Denisse sobre sus intereses desarrollados a partir de su trabajo fotográfico.

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Cada movimiento es mi mantra
BKS Iyengar

Denisse, ¿Qué es para ti la fotografía?

La  fotografía para mí es una forma de contemplación y de comunicación con el mundo. En un comienzo no me daba cuenta que al tomar la cámara mi estado de conciencia cambiaba y mi percepción se hacía más sutil. Luego ese ejercicio se transformó en una forma de vida.

La fotografía hoy me acompaña en lo cotidiano, en la arquitectura, en la danza, en mis viajes y en mis observaciones también abstractas de la realidad, me permite la versatilidad, abandonarme a lo que me sugiere el presente, relacionar lo no relacionado. La fotografía es un lenguaje, es arte y una forma de vivir, una herramienta de comunicación, para mi una pasión.

¿Recuerdas algún hecho que te haya acercado a la fotografía?

Me atrajo la posibilidad de atrapar un momento y compartir lo que estaba viviendo o sintiendo, revelar situaciones, captar o atrapar la belleza.

Siempre me gustaron los libros de fotografía de desnudo, observar el cuerpo humano, más que desde un objeto de belleza, con una mirada abstracta.

La fotografía de arquitectura como referente para diseñar mis propios proyectos y la fotografía de viajes que me transportaba a un mundo más amplio.  

Nunca vi en la fotografía una oportunidad para observar, hasta que siendo estudiante de arquitectrura, la comencé a usar como complemento del dibujo. Eso cambió mi forma de mirar el mundo. A través de la fotografía podía ver mi percepción de la realidad finalmente. Era un libro abierto sobre mi misma, sobre las cosas que yo veía y cómo las veía.

Un hito como fotógrafa fue en un viaje a Asia, estando en Nepal en la plaza principal en un ritual donde iban a sacrificar animales. Recuerdo que sin ser aún profesional en la fotografía, me había comprado un teleobjetivo. Era tanto el impacto que me produjo, que me acerqué al máximo de mi lente para ver y de repente saltó un pensamiento visceral; ¿Qué estoy haciendo, por qué estoy haciendo esto? No tuve inmediatamente la respuesta.

El Nepal, no sólo estos sacrificios no están regulados por la ley, sino que el gobierno incluso subvenciona algunos y participa de otros. Me pareció un hecho para compartir, por la dualidad que me generó desde la capacidad de empatizar con otra cultura y la pena que me produjo.

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¿Tu profesión como arquitecta influyó en tu pasión por la fotografía?

La capacidad de observación y abstracción que desarrollé haciendo arquitectura influencian mi mirada. La disciplina que se adquiere en el estudio y ejercicio de esta profesión en donde se trabajan ambos hemisferios del cerebro, te da la capacidad de mirar las cosas desde lo macro a lo micro y tanto el significado como la forma.

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¿Cuáles son los principales temas que te interesa desarrollar a través de la fotografía?

Los retratos, abarcar el ser humano en todos sus aspectos. El desnudo como una oportunidad para hablar del ser, el desnudo del alma. Descubrir y aventurarse por las personas. Me atrae lo oculto, el misterio, las sombras, ver qué hay en lo profundo de ellas, eso que no se revela a simple vista.

La geografía, la naturaleza, el planeta. Los viajes para hablar de la experiencia que yo he tenido de aprender de mí misma y de los otros, de sumergirme y fundirme con un universo amplio, y así, compartir conocimiento. Pero no desde el ego intelectual ni espiritual, sino desde la humildad de comprender que todos somos uno.

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¿Cuál es la importancia del cuerpo y de lo femenino en tu trabajo fotográfico?

Retratar el cuerpo en un comienzo fue por “el cuerpo como un objeto“, una mirada más abstracta, un territorio para observar desde lo formal.  

La forma de relacionarme con el cuerpo (el mío propio y el de los otros) ha ido cambiando, principalmente desde el ejercicio de la danza, el yoga y otras técnicas de elevación de la conciencia.

Bailo desde antes de los 9 años y practico yoga como una forma de vida. Para mí el cuerpo es un continente de información. Revela un mundo interno a veces desconocido. Es mi palabra, a través  de él me relaciono con mi mundo interno .  

La voz que hoy tiene mi fotografía es el cuerpo como contenedor sensible. Es el recinto en el cual el ser humano materializa su espíritu.

Creo que lo femenino trasciende el género, está en el hombre y en la mujer. Es una forma de ser y de sentir la vida y la relación de componer o edificar el mundo. Lo femenino no puede ser visto sin lo masculino.

La polaridad femenina es la capacidad de entrega y de receptividad, la ternura, fecundidad, contemplación e intuición. El cuerpo frente al espíritu.

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Háblanos sobre tu interés en desarrollar discursos fotográficos sobre la vulnerabilidad del hombre y la metamorfosis.

La vulnerabilidad es un tema que me apasiona y me he acercado a él desde varias aristas. Me interesa el discurso de la vulnerabilidad desde crear conciencia social.

La metamorfosis tiene que ver con el movimiento; todo está en permanente movimiento, vamos pasando de un estado a otro. Estamos de paso.

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¿Estás trabajando en algún proyecto fotográfico actualmente?

Retomo los proyectos que siempre he trabajado y los actualizo, observo cómo va cambiando mi percepción y qué cosas son las que permanecen inmutables.

El proyecto mujer, la danza y el yoga son un trabajo en progreso, motivo de observación desde mi día a día.

Hoy estoy desarrollando proyectos que han sido consecuencia del Proyecto Mujer.   Trabajando sobre temas como la sexualidad, el erotismo, la vida y la muerte , los ciclos de la vida. También en carpeta un proyecto fotográfico con ancianos y recién nacidos.  

Un viaje a África pronto por realizar

Más información de la artista: http://cargocollective.com/denisse_tala/About-Denisse-Tala

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Anna Pistacchio es Licenciada en Arte de la Universidad Católica de Valparaíso y Diplomada en Dirección de Arte de la Escuela de Cine de Chile. Para navegar por su obra, es importante entender que para la autora la memoria y los elementos análogos dialogan constantemente con los nuevos lenguajes. Sus obras anteriores van desde videos instalaciones que nos hablan del cuerpo fragmentado, la borradura del material análogo y la reconstrucción de los recuerdos, llevándonos siempre al mismo concepto: la memoria como carga. Hoy conoceremos un poco más sobre su trabajo haciendo especial énfasis en su última obra HIPOCAMPO I, que se estará exhibiendo hasta el 20 de septiembre en Casa en Blanco.

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El hipocampo es un área ubicada en el lóbulo temporal del cerebro, el cual posee entre otras funciones la de recolectar recuerdos y espacios formando nuestra memoria. En este caso Pistacchio llama a esta obra Hipocampo I, ya que cada una de estas fotografías va llenando el espacio de su memoria personal con recuerdos y momentos ajenos.

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Nos adentramos en la exposición HIPOCAMPO I. Un fichero repleto de fotografías robadas y de la autora, 4 fotografías en exposición que dialogan entre sí, se nos presentan en un pequeño espacio. Nos piden lavarnos las manos, no comer nada, leer y observar detenidamente.

La autora nos enfrenta a fotografías catalogadas de diferentes formas y manipuladas para ser parte de lo que ella misma llama “la apropiación de la imagen”.  En primera instancia dicha apropiación de estas fotos nos permiten adentrarnos en la construcción de un archivo o álbum fotográfico que teje la memoria personal de la autora, para luego en segundo lugar al vernos enfrentados a estas imágenes, nos hacemos parte de esta memoria volviéndola colectiva

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Mi trabajo artístico está basado en la memoria desde la imagen utilizando los medios de la fotografía y el video” nos comenta Anna, quien ya nos advierte que el archivo en exposición está en construcción y que cada vez que vuelve a él encuentra nuevas cosas, nuevas lecturas. Cada una de las fotografías apropiadas por Anna, corresponde a pequeños fragmentos de la vida personal de un otro, trozos ajenos y fugaces que determinan un espacio, un momento o una sensación que la autora ha decidido hacer suya.

Se nos permite además reconfigurar dicha memoria al disponer las fotografías en un fichero que deja la opción de recorrer las fotografías en el orden que escojamos. Así entonces, cada vez que el espectador vuelve al fichero puede tener un nuevo nivel de lectura y acercamiento a la obra, logrando que estos recuerdos, difusos por su materialidad análoga, puedan ser retenidos más de una vez.

Una de las estructuras cerebrales que sufre un deterioro evidente al diagnosticarse la enfermedad de Alzheimer es el hipocampo. Quienes la padecen sufren la incapacidad de adquirir y retener nuevos recuerdos. Las fotografías recolectadas por la obra de Pistacchio son un gesto latente a la lucha contra el olvido, evidenciando el proceso natural de borradura que ocurre en las fotografías análogas antiguas, para presentarnos una imagen que pueda perdurar en el recuerdo de quien la observa.

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Para conocer más sobre la obra de esta artista les compartimos su página personal http://dearannapistacchio.tumblr.com/ y los dejamos invitados a visitar su exposición.

HIPOCAMPO I se estará exhibiendo hasta el 20 de septiembre en Casa en Blanco, ubicado en Eliodoro Yañez 2210, Providencia

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Luego de horas de buceo científico en la onceava región de Chile, Thomas Heran, logra forjar hermosas fotografías de especies submarinas, con una amalgama de colores naturales que su cámara oceánica capta bajo el mar. El registro para descubrir desde la ciencia, la inminente aparición del arte.

Thomas Heran es biólogo marino de la Universidad Austral de Chile, y por tanto, un investigador del mar, desde la Antártida hasta las costas de Puerto Montt. Hoy es también un fotógrafo que descubre más de lo que podría imaginar. En Galaxia Up conversamos sobre su interesante trabajo.

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Thomas ¿Por qué y cómo te empiezas a interesar en la fotografía submarina ? 

Nuestra manera de realizar las investigaciones, fueron basadas en el registro gráfico de las especies. Este método tiene bastantes ventajas, ya que trabajas a una escala muy fina de investigación, además permite obtener un mayor número de muestras en un solo buceo, ya que éste tiene un límite de tiempo y la Patagonia no tiene un clima muy estable.

Paralelo a este estudio, comencé a pensar en el número de científicos que podrían leer nuestras publicaciones en comparación a los posibles interesados en estos estudios, pero que no tienen la formación ni dominan el lenguaje arisco de una publicación científica carente de sentimiento. Sumado a esto, la ciencia en Chile no tiene la capacidad de avanzar al mismo ritmo de las grandes empresas. Este sentimiento me impulsó a tomar mi cámara y mediante la fotografía, expresar una problemática o dar a conocer que la vida submarina de la Patagonia tiene mucho para enseñarnos.

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¿De qué trata tu investigación y cuáles son los objetivos? 

Llevo trabajando tres años y medio en la región de Aysén, cerca de un pueblito llamado Puerto Raúl Marín Balmaceda, el cuál presenta 300 habitantes dedicados tanto a las salmoneras como al turismo. La reserva Añihué, lugar donde elaboré mis estudios científicos, está ubicada en una península que colinda con el Río Palena. Los proyectos en los cuales estoy trabajando enfocan sus preguntas a la ecología de fiordos, canales, islas e islotes, es decir, la interacción que existe entre animales que viven en el fondo rocoso, junto con el medio ambiente. Las preguntas básicas que nos hacemos, son por ejemplo, ¿Cómo es la distribución vertical de las especies?, ¿Es en forma de parches o hay especies que seleccionan ciertas profundidades?, y la selección de estas ¿En qué se basan?. Al responder estas preguntas tendríamos más herramientas para decidir cómo intervenir un lugar, o en otros casos el por qué no intervenir. Temas que lamentablemente no se han considerado, como por ejemplo al seleccionar lugares donde se han instalado o se instalarán salmoneras.

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¿Cuál es tu punto de vista sobre la mezcla de la ciencia y el arte?

Creo que la ciencia conservacionista necesita un intermediario, y éste es, definitivamente, la fotografía acompañada de una historia sólida con bases científicas. Y qué mejor medio para transmitir las maravillas y problemáticas de nuestro mar, que con solo una imagen nos puede conmover.

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Desde tu mirada, ¿Cuál crees que es el mayor impacto que se está causando en el mar?

Lamentablemente no es solo un impacto, son innumerables los efectos que estamos generando en el mar. Debido a que todo lo que se haga en el planeta, ya sea en el desierto del Sahara, la Amazonía, Ártico y Antártica, todo tiene un efecto en el mar. El Calentamiento Global es el que por lejos está afectando más al mar y a todos los que lo rodean y habitan.

Más info del artista: www.thomasheran.com

Instagram: thomas_heran_a

Twitter: @ThomyHA

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El Museo de Arte Contemporáneo presenta Pero la desobediencia dormía, muestra a cargo de los artistas y directores Ángela Cura y Felipe Cura, mediante su proyecto curatorial Galería Temporal. La exposición contempla instalaciones, dispositivos, videos y performances de seis artistas, buscando reflexionar en torno a las diferentes maneras de representar el paisaje y contexto. La inauguración será este viernes a las 19 horas.

Pero la desobediencia dormía, se formaron tres duplas de artistas cuyos trabajos se instalarán en tres salas de MAC Quinta Normal, agrupados en los temas luz, mar, y construcción. Así, se busca generar sensaciones en el espectador con la producción de ambientes basados en instalaciones lumínicas, sonoras y workshops. A su vez, se pretende plantear diálogos y reflexiones sobre fenómenos físicos, problemáticas sociales, políticas y de apreciación de la ciudad. Los artistas participantes son: Narda Alvarado, Fernando Godoy, Benjamín Ossa, Enrique Ramírez, Takuri Tapia y el Colectivo Pía Michelle.

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Exhibición: Pero la desobediencia dormía.

Inauguración: 19 de agosto, 19 hrs.

Extensión: 20 de agosto al 23 de octubre.

Lugar: MAC Quinta Normal, Ismael Valdés Vergara, Santiago, Región Metropolitana.

 

 

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[md_text]Imágenes oníricas, ensoñaciones transmutadas hechas realidad mágica. Paisajes de horizontes eternos e ideas genialmente compuestas. Orden, silencio, pulcritud y esperanza es lo que Marcial Ugarte nos regala mediante su obra, una especie de salvaguarda para poder sobrevivir al caos del verdadero acontecer. ¿Cuántas veces nos hemos encontrado intentando arreglar el mundo y soñamos e imaginamos la realidad que deseamos, esperando que las situaciones cambien a nuestro favor? Es esa realidad la que está del lado de Ugarte, capaz de utilizar la fotografía como soporte de esos parajes únicos y surreales, confundiendo los sueños con la realidad, la fotografía con la ilustración y la pintura. Personajes solitarios, perfectos y serenos suman intensidad a escenas con objetos repetidos, transformándolos, a la vez, en universos únicos, singulares y extraordinarios. Galaxia Up conversó con Marcial Ugarte, el cual compartió su inspiración y procesos en su obra.

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Si pudiera decirlo con palabras,

no habría ninguna razón para pintarlo

Edward Hopper.

 

Marcial Ugarte es fotógrafo autodidacta y diseñador de profesión. Apasionado por la fotografía de paisaje y obsesionado con las texturas y los detalles de la naturaleza, configura su obra dentro del collage y montaje fotográfico, componiendo y enlazando a través de lo fraccionario y transformando la fotografía en obra pictórica.  Su obra, transporta al espectador hacia lo irreal y lo absolutamente deseado, tal fuera un espejismo en medio de nuestro desierto mental. Transmuta y devela el lado oculto de la mirada a través de elementos aparentemente antagónicos que se conjugan a la perfección y nos hacen creer y confiar en una realidad compuesta, modificada y subjetiva.

Marcial, ¿Qué te inspiró a ser fotógrafo?

Desde niño me gustaron los libros, especialmente con fotografías, pero fue como a los 15 años que me prestaron una cámara para llevar a un viaje a Chiloé. Me entretuve mucho encuadrando y buscando ángulos originales desde los cuales hacer cada toma y al revelarlas y ver el resultado, quedé obsesionado, lo único que quería era una máquina fotográfica. Después de un tiempo pude tener mi primera cámara y más tarde armé mi primer laboratorio. Nunca más dejé de fotografiar.

En relación a los relatos oníricos de tu trabajo ¿De dónde provienen las ideas que lo inspiran? 

De mis sueños, pero pienso que hay mucho de intuición y casualidad. También es resultado de una cierta inconformidad con la realidad, un anhelo por encontrar el sitio perfecto, la situación ideal, la luz, el encuadre. Mis trabajos son a partir de fotos de la realidad tangible, una ciudad, un paisaje, un personaje, pero luego caigo en la tentación de cambiar el cielo o de recortar una parte y agregar un elemento de otra foto y con eso crear una nueva imagen que no existe, pero que nace a partir de la realidad.

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¿Tus estudios formales como diseñador han influido en tu profesión como fotógrafo?

Más que influir, han reforzado y complementado mi trabajo de fotografía y fotomontaje. Sin duda que materias de diseño como fotografía, historia del arte, color, etc., me ayudaron a educar y afinar el ojo al momento de tomar una foto, pero creo que mi trabajo más que del conocimiento y del intelecto, nace de la intuición y mis sueños y de la necesidad de plasmar en una imagen ese mundo que imagino.   

¿Cuál es la importancia de la tecnología en tu trabajo fotográfico?

La tecnología en este momento es fundamental en mi trabajo, pero sólo como un medio que facilita el trabajo y lo hace mas rápido, es decir que todos los procesos que se requieren para hacer uno de mis trabajos, se pueden hacer igual que ayer por medios análogos tradicionales. Antes era necesario entrar al cuarto oscuro y a lo mejor destinar 6 u 8 horas para hacer solo una parte del trabajo, en cambio hoy día te sientas cómodamente con un café frente al computador y mediante un programa de edición como el Photoshop, pruebas mil resultados posibles para un montaje, que antes simplemente no tenías tiempo para hacerlo.

El otro aspecto donde la tecnología se a hecho imprescindible, es en el de poder mostrar y difundir tu trabajo. Antes la única forma era a través de una exposición o alguna publicación gráfica o en los medios. Hoy por medio de un sitio web y de las redes sociales tu trabajo lo pueden ver potencialmente miles de personas, aquí y en todo el mundo.

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¿Cómo se desarrollan tus proyectos desde la idea a la práctica?

Mi trabajo no proviene de una planificación previa o de la elaboración de un proyecto escrito en el papel, si no, más bien del material que voy acumulando a través del tiempo y que es resultado de viajes y situaciones cotidianas, casuales y hasta familiares. A partir de la revisión constante de ese material es que surgen ideas que se transforman en proyectos o series de trabajos asociados a un tema específico. Por ejemplo, hace un tiempo revisando mis fotos de ciudades y arquitectura, surgió la idea de crear a través del montaje “Ciudades Imaginarias”, que construidas a partir de fotos reales crearán ciudades irreales, exageradamente grandes o coloridas y que se acercan más a la ilustración o la pintura.

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Se puede observar en tu composición, remembranzas de obras pictóricas, ¿Qué lugar ocupa el arte visual en tu trabajo?

Mis referentes más importantes están en la pintura, más que en la fotografía. A pesar de que me han marcado profundamente fotógrafos como, Duane Michals, Chema Madoz y especialmente Michael Eastman. En mi mente sueño pinturas. Creo que si hubiera tenido la habilidad y el talento, hubiera sido pintor. En la pintura mis referentes principales son Edward Hopper, El Greco y Magritte por nombrar algunos, pero de la pintura, me inspira la libertad de crear realidad a partir de la imaginación y los sueños.

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¿Actualmente te encuentras trabajando en algún proyecto?

Sí, en varios. El 1º de octubre inauguró una exposición individual en la Galería “Factoría de Arte Santa Rosa”, que se llamará “Presagio”. Consiste en una serie de fotomontajes de paisajes, donde el factor común es la ausencia del hombre. Es un trabajo que estoy desarrollando desde hace largo tiempo y que tiene que ver con una visión de lo que será nuestro planeta después de nuestra extinción, la tierra después del hombre.

También estoy en este momento mandando a Quito, Ecuador, parte de una serie de fotomontajes que se llama “Ciudades Imaginarias”, para ser expuestas en gran formato (5 mt x 5 mt), en el contexto de la exposición “Habitat” de la Organización de Naciones Unidas. Y por último, estoy invitado a participar este año en la feria de fotografía, “Buenos Aires Photo 2016”.

¿Qué crees tú que se necesita para dedicarse a la fotografía como profesión?

Es fundamental disfrutar de lo que se hace y hacerlo con pasión, porque eso se transmite. En mi propia experiencia, rescato por sobre todo la perseverancia y la consecuencia. Para eso hay que trabajar siempre desde la honestidad, para que de esa forma tu trabajo tenga una identidad propia. No creo que la fotografía y el arte en general sean el camino más fácil para lograr fama o éxito económico, pero sí creo que nos puede aportar mucha satisfacción y alimento para el espíritu. Mi único consejo para alguien que quiera dedicarse a la fotografía, es tomar fotos, muchas fotos y disfrutarlo.

Marcial Ugarte3

Más información:

https://m.facebook.com/marcialugartefoto/

https://m.flickr.com/#/photos/muv/

Blogs:

https://www.blogger.com/profile/04887591195827883577

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Licenciada en Filosofía de la Universidad de Chile y Licenciada en Estética de la PUC. Fotógrafa interesada en fotografía urbana y arquitectura. Apasionada por la escritura analítica y teórica del arte, comienza a publicar sobre fotografía, artes visuales y cine en páginas web como Corte Irracional, Cine Tv & Más y Museo Internacional de Chile.
Además, es Instructora certificada en Hatha yoga en la Academia Chilena de Yoga y en Método Pilates Matwork en Centro Zen Pilates.
Colabora como editora en la sección de fotografía en Galaxia Up.

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